Учебник МХК для 11 класса

Мировая художественная культура

       

24.3. Искусство советского периода

После Октябрьской революции 1917 г. одним из первых мероприятий правительства в отношении искусства был так называемый план монументальной пропаганды. Согласно ему предписывалось создание произведений, прославляющих дух революционной эпохи, наглядно демонстрирующих преимущества новой социалистической жизни, понятных самым широким массам. В 20—30-е гг. XX в. были созданы произведения, ставшие на многие десятилетия классикой советского изобразительного искусства.

К приоритетным жанрам живописи относились исторические многофигурные композиции, рассказывающие о героических и трудовых буднях Страны Советов, показывающие тот нравственный идеал, к которому должен был стремиться каждый человек. Картины художников Б. Кустодиева «Большевик» (1920), К. Юона «Новая планета» (1921), А. Дейнеки «Оборона Петрограда» (1927), К. Петрова-Водкина «Смерть комиссара» (1928), М. Грекова «Тачанка» (1925) и «Трубачи Первой Конной» (1934), Б. Иогансона «Допрос коммунистов» (1933) наглядно отражали идеи построения нового общества, прославляли подвиги пламенных революционеров.

Не менее выразительные образы были созданы и в скульптуре. В композициях И. Шадра «Булыжник — оружие пролетариата» (1927), А. Матвеева «Октябрь» (1927), В. Мухиной «Крестьянка» (1927), С. Лебедевой «Портрет лётчика Валерия Чкалова» (1936) в обобщённой художественной форме воплощались понятия, утверждавшие идеалы революции, героический и трудовой подвиг рабочих, красноармейцев, крестьянских тружеников, известных деятелей советского государства. Искусство успешно решало задачи агитационной пропаганды, в полной мере воплощало принципы социалистического реализма, требовавшего от художника «правдивого, исторически конкретного изображения действительности в её революционном развитии».

А. А. Дейнека. Оборона Петрограда. 1927 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Одним из самых известных произведений советской эпохи стала скульптурная композиция Веры Игнатьевны Мухиной (1889—1953) «Рабочий и колхозница», венчавшая советский павильон на Всемирной выставке в Париже 1937 г. Свою главную задачу автор видела в передаче «идеалов нашего мировоззрения», создании «образа человека свободной мысли и свободного труда». Между тем за внешне плакатной трактовкой рабочего и колхозницы угадывалось новое, более глубокое внутреннее содержание.

Обычно двухфигурные скульптурные группы строились на пластическом контрасте или на принципе дополнительности (например, сидящая и стоящая фигуры — памятник Кузьме Минину и Дмитрию Пожарскому И. П. Мартоса), идущий и стоящий, падающий и встающий (например, группы Е. В. Вучетича в мемориальном комплексе на Мамаевом кургане в Волгограде).

В. И. Мухина предложила совершенно иную пластическую интерпретацию, основанную на совпадении внутреннего содержания образов, когда персонажи почти полностью повторяют жесты и движения друг друга (так называемый «хоровой принцип» в скульптуре, восходящий к древнерусской живописи, подчёркивающий общность цели и действия, единство устремлений и судеб). Автором был создан идеальный образ-символ, во многом способствовавший утверждению авторитета Советского Союза на мировой арене.

Пластическая выразительность этого памятника заключалась не столько в красоте его монументальных форм, сколько в стремительном и чётком ритме волевого жеста, в точно найденном мощном движении вперед и вверх. Действительно, тема неудержимого движения вперёд приобрела здесь особую силу и художественную выразительность. Заимствованная из античного искусства, она была дополнена оригинальными творческими находками. Например, развевающийся за спиной колхозницы шарф усиливал впечатление естественного живого движения (вес шарфа достигал 5 тонн). Многозначителен жест мужской руки, повернутой вниз раскрытой ладонью, воспринимающийся как символ единства и мощи миллионов трудящихся. До мельчайших деталей автором были продуманы все возможные ракурсы её восприятия. Так, при осмотре композиции спереди создавалось впечатление суровой сдержанности и торжественного величия от мерной, уверенной поступи скульптур, при обзоре сзади казалось, что фигуры стремительно улетают вверх. При круговом обходе нарастала динамика движения, усиливающаяся за счёт вихревых потоков складок одежды.

В. И. Мухина. Рабочий и колхозница. 1937 г. Москва

«Рабочий и колхозница» — это не только высшее художественное, но и инженерное достижение своего времени. Перед скульптором стояла задача создания композиции небывалых масштабов из нового, никогда до этого не употреблявшегося материала — нержавеющей хромоникелевой стали с повышенным светоотражением. Сомнения автора быстро рассеялись: особо прочная «сталь оказалась чудесным материалом большой ковкости», удивительно податливым в обработке, обеспечившим предельную чёткость в построении образов, позволившим преодолеть впечатление тяжести и сделать статую более лёгкой.

Уникальная огромная статуя (высотой до конца серпа 23,5 м и общим весом почти 75 т) была собрана в рекордно короткие сроки, немногим более чем за год. В её сооружении участвовали 160 человек. Монтаж монумента потребовал применения уникального метода контактной точечной электросварки, изобретённого П. Н. Львовым. Сложность заключалась ещё и в том, что впервые небольшую гипсовую модель требовалось перевести в 24-метровый стальной оригинал. Скульптуру приходилось несколько раз переделывать, иногда неудачную деталь целиком вырезали автогеном и тут же на глаз «лепили» из стали. Немало пришлось потрудиться над серпом и молотом, которые должны были быть видны скрещёнными отовсюду.

По окончании Всемирной выставки статуя «Рабочий и колхозница» была перевезена в Москву и установлена перед северным входом на ВДНХ (сейчас Всероссийский выставочный центр). С тех пор она стала едва ли не самым популярным символом советского государства, бессчётное количество раз воспроизведённым на плакатах, обложках книг, значках и медалях, заставках кинофильмов (эмблема студии «Мосфильм»). В настоящее время скульптурная композиция В. И. Мухиной после серьёзной реставрации снова установлена на прежнее место.

* * *

В период Великой Отечественной войны 1941—1945 гг. огромный вклад в дело Победы внесли мастера изобразительного искусства. Основными темами стали героизм и народный подвиг на фронте и в тылу, прославление защитников Родины. Большим мобилизующим воспитательным потенциалом отличались живописные произведения К. Ф. Юона «Парад на Красной площади 7 ноября 1941 года» (1942), А. А. Пластова «Фашист пролетел» (1942), С. В. Герасимова «Мать партизана» (1943), Б. М. Неменского «Мать» (1945). Каждое из них — это не только документальное свидетельство очевидцев, передающих пережитые страдания и горечь утрат, но и заряд энергии, пробуждавший в людях ненависть к врагу и веру в Победу.

С. В. Герасимов. Мать партизана. 1943 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

В суровые военные годы в полной мере раскрылся талант Александра Александровича Дейнеки (1899—1969), создавшего произведения, ставшие признанной классикой советского изобразительного искусства. Так, зрителям надолго запоминался тревожный образ безлюдной и неприступной столицы в картине «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года». Не менее сильным было впечатление от обобщённого образа сожжённых русских деревень в картинах «Сгоревшая деревня» (1942) и «Сбитый ас» (1943), наглядно показавших судьбу врага, посмевшего прийти с мечом на нашу землю.

А. А. Пластов. Фашист пролетел. 1942 г. Государственная Третьяков ская галерея, Москва

Истинным событием в художественной жизни страны военного периода стало монументальное полотно А. А. Дейнеки «Оборона Севастополя» (200 х 400 см), посвящённое одной из наиболее трагических страниц истории Великой Отечественной войны и созданное по горячим следам событий, когда город ещё находился в руках врага.

А. А. Дейнека. Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года. 1941 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Пылает огнём разрушенный Севастополь... Багровое небо с чёрными клубами дыма нависло над головами сошедшихся в смертельной схватке советских моряков и солдат вермахта. Идёт жестокий рукопашный бой не на жизнь, а на смерть... На переднем плане в полный рост, в стремительном движении изображён черноморец, бросающий связку гранат. Его фигура полна необыкновенной силы и рождает впечатление небывалой сокрушительности предстоящего удара. Трагическую ноту вносит в картину образ сражённого в бою, умирающего матроса. Он падает на камни мостовой, из его рук уже выскальзывает винтовка, но во всём теле чувствуется инерция стремительного движения вперёд. Сколько неукротимой ярости и смелого порыва передано в атаке матросов, выступающих целостно и монолитно! Этим защитникам города смерть не страшна. Совсем иначе показаны противоборствующие силы врагов, рвущихся к берегу. Автор использует своеобразный композиционый приём — краем картины срезает штыки и фигуры небольшой группы немцев, за которыми невольно ощущаешь их присутствие.

А. А. Дейнека. Оборона Севастополя. 1942 г. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Композиция картины, развёрнутая по горизонтали и данная в резких ракурсах фигур, помогает передать особую напряжённость боя, ожесточённость смертельной схватки с врагом. Колорит картины построен на контрастах цвета и света, противостоянии силуэтов на фоне горящего города, драматическом сочетании белого, чёрного и красного цветов. На фоне алого пламени пожарища, багрового неба и тёмных фигур фашистов с их подбитой техникой контрастно выделяются защитники города морской славы в белой парадной форме. Победный бело-красный цвет усиливает эмоциональное оптимистическое звучание картины. В целом она воспринимается как скорбная и одновременно величественная эпопея о героическом подвиге доблестных защитников Отечества, выразившая весь спектр патриотических чувств каждого советского человека.

 

 

 

Top.Mail.Ru
Top.Mail.Ru